Esteban Benzecry: lo aburría estudiar piano, pero hoy sus obras se son interpretadas en todo el mundo

Quizá no estaba maduro”, escribe Esteban Benzecry desde su casa en Aulnay Sous Bois, a 15 kilómetros de París.

Actualmente, Benzecry es uno de los músicos argentinos más programados de su generación, a quien la cuarentena lo encontró en compañía de su familia y trabajando en un encargo para la Orquesta de Filadelfia, cuyo estreno está previsto para enero 2021.

Además, durante la pandemia terminó Garasha, una mono ópera que acaba de estrenarse en Japón y podrá verse en todo el mundo vía streaming este viernes, a través del sitio Zaiko.

Esteban nació en Portugal en 1970, cuando su padre, el reconocido director de orquesta argentino Mario Benzecry, era el director adjunto de la Orquesta Gulbenkian de Lisboa.

“Solía ir a los ensayos y conciertos de mi padre. También lo he visto dirigir mucho ballet en el Teatro Colón. Al principio no fue fácil ser hijo de un reconocido director. Podría haberme anulado, pero él siempre me apoyo”, cuenta el compositor, que pasó parte de su infancia y adolescencia en Argentina.

La música la descubrió a los 15 años, jugando en los talleres de arte del Instituto Labardén. Aprendió a tocar la guitarra; le gustaba improvisar pero no sabía escribir todo lo que la imaginación le dictaba. Casi sin darse cuenta, se introdujo sistemáticamente en el estudio del piano y la composición. Fue alumno de Sergio Hualpa y luego de Haydee Gerardi.

A los 21 años dio un salto profesional importante cuando Alberto Lysy estrenó en el Teatro Colón su obra Introducción y capricho para violín solo. A partir de entonces, las orquestas comenzaron a encargarle obras, los sucesivos compromisos musicales pausaron la actividad plástica –que nunca abandonó del todo-, decidió instalarse en Francia para continuar estudiando composición y comenzó a recibir encargos internacionales.

En la capital parisina desarrolló un estilo neo-americanista que lo proyectó como una suerte de embajador musical del espíritu latinoamericano.

El notable director venezolano Gustavo Dudamel estrenó en 2010 su tríptico Rituales Amerindios, comisionado por la Sinfónica de Gotemburgo, y luego incluyó la obra en una gira con la Orquesta Simón Bolívar en el Carnegie Hall de Nueva York, en el Royal Festival de Londres y el Concertgebouw de Amsterdam, al que asistieron los príncipes de Holanda, Máxima Zorreguieta y Willem-Alexander de Orange.

-¿Cómo surgió tu vínculo musical con Dudamel, gran defensor y divulgador de tu música?

-En el 2004 tuve la suerte de tener mi primer contacto con Dudamel, en el Festival Latinoamericano de Música de Caracas. Habían programado Colores de la Cruz del Sur, un encargo de Radio France, y la interpretó la Orquesta Simón Bolívar bajo su dirección. Le gustó mucho mi obra; en ese momento no era tan reconocido internacionalmente como ahora. Cuatro años después nos encontramos en París y me pidió que escribiera algo. Compuse Rituales Amerindios, una obra que recorrió el mundo. Después surgió otro encargo más: el Concierto para Piano; Dudamel lo estrenó en Los Ángeles con el pianista argentino Sergio Tiempo. Este año, justo un mes antes de la pandemia, la Filarmónica de New York lo tocó cinco veces en el Lincoln Center.

-¿Cómo es la cotidianidad de un compositor en el siglo XXI? ¿Sigue siendo una actividad tan solitaria como en el pasado?

-Sigue siendo una actividad solitaria porque nosotros parimos sonidos desde el silencio. Pero a diferencia del pasado, si dependiera 100% de los encargos compondría muy poca música. La inspiración y la necesidad de decir algo con la música no dependen de los encargos. En todo caso, son un recurso financiero y logístico: ser remunerados y componer algo que se sabe que va a tener fecha de parto programada.

-¿Te sentás a escribir igual aunque no tengas un encargo puntual?

-Sí, pero últimamente tengo que dar prioridad a los encargos, que siempre vienen con una fecha de entrega. El año pasado, cuando recibí el Premio Konex de Platino al compositor de la década, me referí a la importancia de los compositores: somos nada menos que los pilares de la música, sin nosotros no habría música; y sin música, no habría músicos. Sin embargo, en la Argentina estamos muy desvalorizados, no hay una política de encargos.

-Prácticamente la totalidad de tus obras tiene una temática americanista. ¿El compositor latinoamericano que produce en Europa o Estados Unidos está condicionado de alguna manera por la demanda de exotismo?

-Depende del circuito. Algunos festivales solo programan a latinoamericanos que hacen una música espectral, microtonal o que trabajan sobre la saturación del sonido. Otros creen que los argentinos solo podemos componer tangos. Hay circuitos para todo. El concepto de artista latinoamericano o de hombre o mujer, para mí no existe. Somos artistas y cada artista es su propio universo; las etiquetas no nos pertenecen, se pegan desde afuera. Hay muchos compositores que aún no se animan a salir del placard -musicalmente hablando- y ser ellos mismos: hacer la música que realmente les gustaría hacer.

-¿El encargo de tu ópera Garasha surgió antes o durante la pandemia?

-La soprano Ayako Tanaka y su esposo, el director de orquesta argentino Pablo Boggiano, me pasaron el libreto de Noboru Yokoshima traducido al español. Tanaka y Boggiano viven en Viena, son grandes divulgadores de mi música, y recientemente grabaron mi Ciclo de Canciones para soprano y orquesta, que el sello Naxos acaba de lanzar. Es un álbum monográfico que incluye también mis conciertos para violín y clarinete. Durante la grabación del disco, en Ucrania me mencionaron la idea de hacer una mono ópera. Pensamos en un formato práctico, con pocos elementos, fácil de llevarlo por el mundo, en diferentes tipos de escenarios y sin depender de la infraestructura de un gran teatro lírico. Y justo resultó que fue un formato ideal para la pandemia. La obra tuvo mucho éxito. Está planeado hacerla en diferentes continentes y se volverá a hacer en Tokio el año que viene. Espero poder estar presente.

-¿Por qué crees que tu música se interpreta tanto y en distintas partes del mundo?

-Ni idea. Sé que me he hecho una reputación como buen orquestador, que mis obras están bien escritas y con pocos ensayos se pueden armar. Me dijeron que me ven como una opción original, diferente a los academismos dominantes de moda. El resto pertenece al cosmos.

Garasha Una ópera ecológica

Primera mono ópera que combina arte y ODS ( Objetivos de Desarrollo Sostenible).

“Al usar el telón de Aizome como único escenario –explica Benzecry- también contribuimos a promover los objetivos de desarrollo sostenible de las Naciones Unidas, ya que la ópera se puede representar incluso en lugares globales sin teatros ni instalaciones bien equipadas. Además, evitamos el desperdicio utilizando solo un mínimo de materiales ecológicos del antiguo Japón y un escenario minimalista, eliminando la necesidad de equipos a gran escala y permitiéndonos realizar representaciones itinerantes repetidas en varios países”.

La mono ópera Garasha, con música: Esteban Benzecry y libreto de Noboru Yokoshima va el viernes 27 de noviembre, y estará disponible en el sitio ZAIKO durante tres días. website: https://l-tike.zaiko.io/e/garasha?

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